Sekilas Tentang Sejarah Anime Jepang Yang Harus Diketahui

Sekilas Tentang Sejarah Anime Jepang Yang Harus Diketahui – Anime (アニメ) adalah kata yang berasal dari “animasi” dan digunakan oleh orang Jepang untuk merujuk pada gambar animasi apa pun, tidak peduli negara asalnya. Dalam bahasa Inggris, sebagian besar digunakan untuk merujuk secara khusus ke animasi Jepang.

Perbedaan utama antara anime Jepang dan animasi Barat adalah bahwa anime menargetkan orang dewasa sama seperti anak-anak. Di Barat, animasi tidak banyak diminati, dan seringkali dibuat hanya untuk anak-anak, yang memberikan reputasi sebagai tidak halus dan kekanak-kanakan.

Sekilas Tentang Sejarah Anime Jepang Yang Harus Diketahui

Lebih jauh lagi, tidak seperti di Barat di mana sutradara tinggal di bawah bayang-bayang perusahaan produksi, sutradara anime Jepang dipandang sebagai seniman. Mereka sering menikmati ketenaran besar di masyarakat karena peran mereka dianggap sangat penting (yang memang!).

Baca terus untuk mengetahui lebih lanjut tentang sejarah anime Jepang.

Asal-usul

Sejarah anime Jepang kembali ke masa awal animasi di seluruh dunia. Seitaro Kitayama adalah salah satu yang pertama terlibat, sejak 1917. Namun, pada saat itu, animasi banyak digunakan dalam konteks propaganda anti-Amerika. Setelah 1945, dan menjadi produsen animasi terbesar kedua di dunia, orang Jepang sangat dipengaruhi oleh nomor satu: Amerika Serikat.

Osamu Tezuka, yang dianggap sebagai bapak manga modern, menjadi terkenal melalui keberhasilan Astro Boy (鉄腕アトム, Tetswuan Atomu), yang menerima adaptasi animasi pada tahun 1963. Ia juga dikenal dengan Kaisar Hutan Leo (ジャングル大帝, Jangur Taitei), pertama kali dirilis antara tahun 1965 dan 1966.

Tahun 60-an juga telah melihat beberapa seri seperti Sally the Witch (魔法使いサリー, Mahōtsukai Sar) pada tahun 1966, GeGeGe no Kitarō (ゲゲゲの鬼太郎), pada tahun 1967, dan Sazae-san (サザエさん) pada tahun 1969. Yang terakhir menjadi sangat sukses sehingga serial ini memiliki rekor dunia Guinness untuk siaran terlama (lebih dari 45 tahun!).

Kepopuleran

Di seluruh dunia, kisah Star Wars dari George Lucas membuat tanda di dunia hiburan sebagai fenomena merchandising dan fandom (subkultur milik komunitas penggemar). Jepang tidak berbeda dengan sejarah anime Jepang. Hal serupa terjadi di lingkungan seperti Akihabara, di Tokyo, di mana konsep otaku tumbuh subur. Selain itu, Akihabara dianggap sebagai tempat untuk semua penggemar anime Jepang.

Pada tahun 1980-an, anime Jepang mengalami pembaruan kualitas visual berkat sutradara generasi baru. Pemimpinnya tidak diragukan lagi adalah Hayao Miyazaki, yang pada tahun 1985 mendirikan Studio Ghibli (株式会社スタジオジブリ, Kabushiki gaisha sutajio Jiburi). Film-filmnya dilihat di seluruh dunia dan memenangkan berbagai penghargaan, baik di Jepang maupun internasional, termasuk Oscar untuk film animasi terbaik untuk film Spirited Away (千と千尋の神隠し, Sen to Chihiro no kamikakushi) pada tahun 2003.

Di antara generasi sutradara yang sama ini, yang lain juga membuat jejak mereka, seperti Isao Takahata dengan Grave of the Fireflies (火垂るの墓, Hotaru no haka), Katsuhiro tomo dengan Akira (アキラ), dan Mamoru Ishii dengan Ghost in the Shell (攻, Kōkaku Kidōtai).

Tahun 1990-an dikenal dengan ekspor dan penayangan beberapa serial animasi di berbagai negara, yang membekas pada generasi anak-anak. Anda kemungkinan besar tahu Dragon Ball (ドラゴンボール, Doragon Bōru), Sailor Moon (美少女戦士セーラームーン, Bhishōjo Senshi Srā Mn atau hanya, Sērā Mn), Neon Genesis Evangelion (新世紀エヴァンゲリオン, Shin Seiki Evangerion), Cardcaptor Sakura (カード, Kādokyaputā Sakura), dan One Piece (ワンピース, Wan Pīsu).

Akting suara

Tidak hanya penggemar anime Jepang yang menempatkan sutradara di atas alas, para pengisi suara juga mendapat banyak perhatian.

Sekilas Tentang Sejarah Anime Jepang Yang Harus Diketahui

Pengisi suara, atau seiyū (声優), sama populernya dengan aktor normal, karena mereka menghidupkan karakter animasi dengan suaranya. Sebagian besar dari mereka memiliki klub penggemar sendiri dan beberapa penggemar menonton serial animasi hanya untuk mendengar suara seiyū favorit mereka.

Pekerjaan ini dilakukan dengan sangat serius dan dimungkinkan untuk menemukan lebih dari seratus sekolah yang berspesialisasi dalam akting suara. Beberapa seiyū yang paling terkenal   antara lain: Kana Hanazawa (Nama Anda, Tokyo Ghoul), Rie Kugimiya (Fullmetal Alchemist, Fairy Tail, Gintama), Romi Park (Fullmetal Alchemist, Nana), Aya Hisakawa (Dragon Ball, Sailor Moon, Cardcaptor Sakura, Fruit Basket), dan masih banyak lagi.…

Continue Reading

Share

Pentingnya Anime Dalam Kehidupan Budaya Jepang

Pentingnya Anime Dalam Kehidupan Budaya Jepang – Ketika Anda memikirkan budaya Jepang, ada begitu banyak hal yang bisa muncul di benak Anda. Anda mungkin berpikir tentang komunitas teater mereka yang dinamis, yang membawa seni kabuki dan banyak drama panggung orisinal ke dunia.

Atau seni pertunjukan mereka, yang telah menghasilkan aksi musik populer yang telah menemukan kesuksesan, ketenaran, dan kekayaan melalui penggemar mereka di seluruh dunia. Atau Anda bisa memikirkan tentang makanan lezat mereka yang benar-benar surgawi, termasuk seni sushi. Namun, jika Anda seperti saya, hal pertama yang muncul di benak Anda ketika berpikir Jepang adalah anime dan manga!

Pentingnya Anime Dalam Kehidupan Budaya Jepang

Baru-baru ini pertanyaan diajukan kepada saya tentang betapa pentingnya anime dan manga bagi budaya Jepang dan saya telah memutuskan untuk meneliti dan mengeksplorasi topik tersebut dalam fitur ini untuk menjawab pertanyaan tersebut sebaik mungkin.

Anime: Sejarah Singkat

Dikatakan bahwa baru pada Oktober 1958 Jepang benar-benar memasuki pasar animasi global dengan pemutaran film Panda and the Magic Serpent. Dari sana, itu hanya sebuah lompatan, lompatan, dan lompatan maju beberapa tahun ke tahun 1960-an ketika kita mulai melihat bentuk yang akan diambil anime di masa depan; terutama fitur fisik yang besar (termasuk mata besar yang sekarang dikenal anime). Dalam dekade ini kami mendapatkan Astro Boy pada tahun 1963, yang akan menginspirasi dan mempengaruhi banyak pencipta masa depan.

Pada 1970-an, anime akan memasuki fase yang lebih eksperimental dengan studio baru seperti Sunrise dan Madhouse yang dibentuk oleh mantan staf Produksi Mushi. Ini juga pertama kalinya kami melihat karakter dan cerita klasik diceritakan dengan Tomorrow’s Joe dan dua musim pertama Lupin III ditayangkan dekade ini dan pada tahun 1978 lebih dari 50 program anime ditayangkan selama periode tahun ini.

Selama 40 tahun berikutnya menuju dekade saat ini, anime telah tumbuh, berubah, dan berkembang menjadi produk yang kita kenal sekarang. Kami telah melihat medium melalui berbagai tahapan dan tren, termasuk isekai isekai terbaru, dan sekarang mulai melihat kebangkitan seri yang bukan merupakan adaptasi dari karya yang sudah ada, melainkan mencoba cerita orisinal mereka sendiri.

Apakah Semua Orang di Jepang Menyukai Anime?

Ini mungkin pertanyaan termudah untuk dijawab di seluruh fitur ini karena jawabannya adalah tidak. Itu selalu lucu untuk melihat orang-orang yang memiliki pandangan berwarna mawar tentang Jepang sebagai surga anime di mana mereka dapat pergi dan berbicara tentang seri tidak jelas apa pun yang mereka inginkan dengan orang yang lewat secara acak dan merasa seperti mereka akhirnya akan dipahami. Anda tidak bisa dan tidak akan.

Bukan berarti tidak ada penggemar anime di Jepang. Jelas ada banyak dari mereka, jika tidak, industri ini akan mati beberapa dekade yang lalu. Hal yang perlu diingat, bagaimanapun, adalah bahwa anime dan manga adalah hobi seperti yang lainnya di belahan dunia manapun.

Beberapa orang akan benar-benar otaku anime hardcore seperti Anda, tetapi ada juga banyak orang lain yang hanya penggemar biasa atau bahkan penggemar jarang yang hanya menonton mainstream utama atau seri tiang tenda. Untuk menggeneralisasi dan mengatakan bahwa semua orang di Jepang adalah orang gila anime tidak baik, menghina, dan tidak benar.

Anime sebagai Industri

Dengan komersialisasi massal produk, anime telah menjadi sensasi di seluruh dunia dan industri bernilai miliaran dolar. Sementara anime di barat hadir di tahun 80-an melalui perdagangan kaset VHS (anak-anak, tanyakan kepada orang tua Anda), baru pada tahun 90-an teknologi cukup mengejar sehingga kami melihat upaya yang jauh lebih terpadu atas nama perusahaan untuk mendapatkan merchandise anime. seperti home video ke tangan konsumen.

Tentu, Anda biasanya membayar $20-30 untuk dua episode (terkadang lebih jika Anda ingin di-dubbing), tapi tetap saja, itu adalah anime segar! Di zaman sekarang, anime mudah diakses hanya dengan koneksi internet berkecepatan tinggi.

Menurut laporan industri anime terbaru yang dikeluarkan oleh Asosiasi Animator Jepang (AJA), anime telah mencatat pertumbuhan positif sepuluh tahun berturut-turut dengan 2020 menandai tahun terbaik untuk anime, 2,51 triliun yen (lebih dari $23 miliar dolar AS), dengan bantuan dari penggemar domestik dan luar negeri. Faktanya, penggemar luar negeri sekarang menguasai hampir setengah dari total pasar anime!

Dengan begitu banyak uang yang akan dihasilkan, tidak mengherankan jika Jepang melihat anime sebagai ekspor budaya yang kuat yang dapat mereka kirimkan ke seluruh dunia, dan itu benar-benar pernyataan miliaran dolar di sana. Jika Anda memaafkan saya karena terdengar sedikit sinis, apa arti anime bagi budaya Jepang? Dingin, uang tunai.

Dalam panel yang diadakan selama konvensi virtual Anime Lockdown yang diadakan pada tahun 2020, presenter Timeenforceranubis memaparkan beberapa fakta keras mengenai bisnis ini, dan kenyataannya adalah sebagian besar anime berperan sebagai infomersial animasi untuk menarik lebih banyak orang ke materi sumber aslinya.

Anime sebagai Ekspor Budaya

Ide di balik “Cool Japan” adalah untuk mengekspor produk budaya yang oleh penggemar luar negeri dianggap sebagai “Keren” termasuk (namun tidak terbatas pada); musik, program televisi (termasuk anime), robotika, dan apa saja yang dapat Anda pikirkan yang secara luas diasosiasikan dengan Jepang. Pada tahun 2013, mereka membentuk Cool Japan Fund Inc khusus untuk mendanai usaha di luar Jepang, yang mempromosikan produk Jepang secara positif, termasuk investasi $30 juta di Sentai Holdings di AS pada tahun 2019.

Anime sebagai Ekspresi Artistik

Sekarang, jangan salah paham bahwa tidak ada cinta untuk kerajinan yang tersisa di industri ini dan bahwa setiap orang yang terlibat hanya ingin menghasilkan beberapa dolar. Ya, pencipta ingin karya mereka sukses, tetapi itu tidak berarti bahwa mereka tinggal di industri dengan bayaran yang agak rendah untuk mencari gaji emas yang sulit dipahami itu. Masih banyak individu berbakat yang hadir di industri saat ini yang mengekspresikan diri mereka dengan serius dengan menulis atau mengarahkan cerita orisinal dan adaptasi yang bijaksana dari karya-karya tercinta yang benar-benar memiliki sesuatu untuk dikatakan dan berikut adalah beberapa di antaranya:

  • Masaaki Yuasa

Dikenal dengan gaya animasi kasar yang cenderung menjadi selera, Yuasa berafiliasi dengan studio Science Saru yang telah bekerja dengannya untuk menciptakan beberapa karyanya yang paling terkenal selama dekade terakhir, termasuk Night is Short, Walk on Girl, Lu Over Tembok, dan Devilman Crybaby.

  • Akiyuki Simbo

Sementara dia sebagian besar keluar dari sorotan, beberapa dekade terakhir telah sangat baik untuk Simbo di tingkat profesional. Setelah keluar dengan seri Bakemonogatari (dan semua tindak lanjutnya), Simbo menemukan kesuksesan besar sekali lagi segera setelah itu pada dekade berikutnya dengan mengarahkan megahit Puella Magi Madoka Magica.

  • Makoto Shinkai

Sementara Voices of a Distant Star dan 5cm Per Second mungkin awalnya menarik perhatian pada pencipta ini, baru pada dekade terakhir ini Shinkai benar-benar mencapai langkahnya dengan tiga film hit berturut-turut: Garden of Words, Your Name, dan Pelapukan Dengan Anda. Perlu dicatat bahwa film Your Name sekarang menjadi film anime terlaris ketiga yang pernah ada.

  • Mamoru Hosoda

Seperti Shinkai, Hosoda sebagian besar dikenal karena film-filmnya dan meskipun dia memiliki beberapa kesuksesan awal, baru pada dekade terakhir ini dia menjadi kisah sukses internasional karena mendorong jalannya ke depan dengan Wolf Children, Boy and the Beast, dan Mirai. Dia bahkan belum selesai dengan film barunya, Belle, yang akan dirilis pada tahun 2021. Hosoda telah mengatakan bahwa film ini adalah salah satu yang selalu ingin dia buat.

Kesimpulan

Terus terang, anime bisa dilihat sebagai bayangan dari dirinya yang dulu. Sementara pada tahun 1980-an dan 1990-an dapat dilihat sebagai liar dan tegang, anime telah menjadi produk utama dan sumber pendapatan bagi Jepang dan merupakan salah satu industri terbesar mereka. Namun, sama sekali tidak ada yang salah dengan itu.

Pentingnya Anime Dalam Kehidupan Budaya Jepang

Anime mungkin telah dikomersialkan tanpa bisa dikenali, tetapi itu tidak berarti bahwa produknya secara otomatis buruk. Meskipun anime dimaksudkan sebagai pintu gerbang menuju sumber materi, tidak ada salahnya menikmatinya dan mengonsumsi serial baru yang dirilis setiap musimnya. Anime mungkin produk dan kita mungkin hanya konsumen, tapi itu tidak mengubah fakta bahwa itu masih sesuatu yang bisa menggerakkan kita dan membuat kita merasakan hal-hal yang sudah lama kita lupakan di dalam diri kita.

Anime adalah media yang kuat yang saya tidak akan pernah bosan dan dengan sedikit keberuntungan, saya akan dapat menikmatinya sampai saya beruban.…

Continue Reading

Share

Panduan Pemula Untuk Mengenal Manga dan Anime

Panduan Pemula Untuk Mengenal Manga dan Anime – Manga dapat diterjemahkan secara bebas sebagai gambar-gambar aneh. Di Jepang, kata tersebut merujuk pada semua komik, sementara di tempat lain kata tersebut merujuk secara eksklusif pada komik yang berasal dari Jepang. Anime dapat dianggap sebagai rekan di layar. Istilah anime dan manga biasanya mengacu pada karya bersambung, tapi itu tidak sepenuhnya merupakan bagian dari definisi. Keduanya memiliki ciri khas yang membedakannya dari media seni lainnya. Perkenalkan dunia manga dan anime Jepang yang menarik.

Panduan Pemula Untuk Mengenal Manga dan Anime

Sejarah Manga

Manga secara tradisional dibaca dalam arah kiri-ke-kanan, muncul ‘mundur’ ke banyak penonton Barat. Praktek ini berasal dari Periode Heian dan Kamakura Jepang, ketika gulungan ditulis dengan cara ini. Manga modern dalam bentuknya yang sekarang diperkirakan berasal dari era pasca-Perang Dunia II. Sensor yang diberlakukan oleh pasukan Sekutu dicabut, dan kreativitas berkembang. Seperti banyak sastra besar Jepang, salah satu seri manga paling awal juga ditulis oleh seorang wanita. Sazae-san karya Machiko Hasegawa diterbitkan di surat kabar Fukunichi Shinbun pada tahun 1946. Manga awal lainnya adalah Astro Boy (dikenal sebagai Mighty Atom di Jepang), yang tetap menjadi cerita populer hingga hari ini. Astro Boy dibuat menjadi film CGI pada tahun 2009.

Manga, Anime, dan Kawaii

Bukan rahasia lagi bahwa banyak manga dan anime berusaha untuk mencapai status kawaii (imut). Seniman kontemporer Takashi Murakami percaya ini dapat dijelaskan dengan kembali ke awal. Di Era Pasca Perang, Jepang berjuang untuk mengatasi kekalahan. Pendudukan Sekutu tidak membantu. Menurut Murakami, seniman dan publik beralih ke gambar kawaii yang tidak berbahaya sebagai pelarian dari realitas bermasalah mereka. Apakah ini memiliki andil dalam bentuk manga saat ini masih bisa diperdebatkan. Kebangkitan budaya kawaii tidak benar-benar lepas landas sampai tahun 1970-an, setelah Keajaiban Ekonomi Jepang dan ledakan budaya konsumen.

Karakteristik Manga dan Anime

Perbandingan komik Barat dengan manga akan mengungkapkan perbedaan besar dalam gaya. Pertama, manga lebih sering menampilkan detail wajah dari dekat, dan fokus pada manifestasi fisik dari emosi. Karakter bahkan mungkin berubah bentuk untuk mengekspresikan keadaan saat ini dengan lebih baik. Misalnya, mereka mungkin menumbuhkan taring saat meneriaki seseorang, menandakan kemarahan mereka. Tapi ini tidak mempengaruhi realisme komik.

Fokus pada emosi ini membawa banyak perhatian ke mata. Mata dalam manga dan anime telah berkembang menjadi karikatur kehidupan nyata. Mata besar memungkinkan para seniman untuk menghidupkan emosi karakter mereka. Secara umum, manga yang ditujukan untuk pembaca wanita (shōjo) biasanya lebih imut, dengan mata yang sangat detail. Sementara manga dan anime yang ditujukan untuk anak laki-laki (shnen) lebih grittier dan lebih realistis, tapi ini tidak selalu benar.

Panduan Pemula Untuk Mengenal Manga dan Anime

Tema Manga dan Anime

Di Barat, komik populer seperti Superman dan Batman menampilkan pahlawan berkostum yang menyelamatkan dunia seorang diri. Komik jenis ini tidak pernah sepopuler di Jepang, meski tentu saja selalu ada pengecualian. Banyak anime dan manga menampilkan pahlawan wanita atau pahlawan yang realistis, bahkan jika sisa hidup mereka tidak begitu biasa. Misalnya, dalam serial anime dan manga Pokémon, pahlawan Ash masih harus menjawab ibunya, memakan onigiri (bola nasi) dan lelah berjalan.

Tema dan pengaturan manga dan anime tidak ada habisnya. Dari Jepang Psycho-Pass futuristik, di mana hukum dan ketertiban diputuskan oleh mesin, hingga Natsume Yuujinchou (Buku Teman Natsume) modern, di mana seorang anak laki-laki dapat melihat roh dan harus mengembalikan nama mereka, ceritanya terbatas hanya untuk imajinasi manusia.…

Continue Reading

Share

Evolusi Industri Anime Jepang Yang Perlu Diketahui

Evolusi Industri Anime Jepang Yang Perlu Diketahui – Dalam beberapa tahun terakhir, animasi Jepang telah menjadi populer di seluruh dunia. Veteran industri Yamaguchi Yasuo, yang telah terlibat dalam produksi anime selama setengah abad, menelusuri sejarah animasi Jepang, dari kelahirannya hingga hari ini.

Evolusi Industri Anime Jepang Yang Perlu Diketahui

Fajar Anime Jepang

Jepang mulai memproduksi animasi pada tahun 1917—masih zaman film bisu—melalui teknik trial-and-error menggambar dan memotong animasi, berdasarkan animasi pendek dari Prancis dan Amerika Serikat. Orang-orang mulai membicarakan tentang “film manga” Jepang yang berkualitas tinggi. Tapi anime Jepang lebih mahal untuk diproduksi daripada animasi Barat dan dibayangi oleh popularitas kartun Disney. Mereka menghadapi perjuangan berat sejak awal.

Salah satu hal yang membantu mereka menemukan ceruk mereka adalah produksi anime untuk hubungan masyarakat dan kampanye publisitas oleh lembaga publik. Produksi anime dalam negeri mulai mengembangkan fondasi yang kecil namun kokoh ketika Tokyo dan daerah sekitarnya mengalami kerusakan besar akibat Gempa Besar Kanto pada tahun 1923. Industri anime dipaksa untuk memulai dari awal.

Industri ini terus berjuang, tidak mampu merespons inovasi berturut-turut secara memadai, termasuk kemunculan talkie pertama pada tahun 1929 dan film berwarna pada tahun 1932. Selama periode ini, fuji Nobur memenangkan pengakuan internasional untuk Bagudajō no tōzoku (The Thief of Baguda Castle), yang ia buat dengan memotong dan menempelkan chiyogami (kertas berwarna Jepang). Filmnya dikenang sebagai yang pertama membuat kehadirannya terasa di luar Jepang.

Banyak artis anime menjanjikan lainnya muncul satu demi satu, tetapi dengan perang yang mendekat, persediaan barang sangat sedikit karena suasana nasional berubah menjadi militeristik. Bahkan film pun tidak mudah didapat. Dalam konteks inilah film teater full-length pertama dalam sejarah anime Jepang dirilis.Momotarō: Umi no shinpei (Pejuang Laut Ilahi Momotarō, B&W, 74 menit), diproduksi oleh angkatan laut, keluar tepat sebelum akhir perang. Ini adalah film propaganda yang dirancang untuk mengangkat moral dan komitmen terhadap upaya perang.

Segera setelah perang berakhir, Markas Besar Pendudukan Sekutu (GHQ) mengumpulkan 100 seniman anime di reruntuhan Tokyo yang dibom untuk membentuk Shin Nihon Dōgasha, atau Perusahaan Animasi Jepang Baru. Tujuannya adalah untuk mempermudah penyebaran kebijakan pendudukan dengan meminta para seniman memproduksi anime untuk memuji demokrasi. Namun, banyak artis yang sangat independen dan teritorial, dan perusahaan itu terbelah oleh perbedaan pendapat sejak awal. Proyek ini menyimpang dari jalurnya, dan akhirnya dibubarkan. Bahkan GHQ menyerah. Tampaknya peralihan dari militerisme ke demokrasi tidak akan semudah itu.

Awal Tōei Dōga (Sekarang Tōei Animation)

Selama tahun-tahun ini, ketika Jepang mulai pulih dari perang yang membawa malapetaka, kawa Hiroshi, presiden perusahaan film Tōei, melihat Putri Salju Disney (1937). Dia terpesona oleh warna film yang indah. Pada tahun 1956, ia membangun studio modern—istana berdinding putih dengan AC, begitu orang menyebutnya—dan mendirikan Tōei Dōga (sekarangAnimasi Tei). Ambisinya: menjadi “Disney dari Timur.”

Tōei Dōga memilih Hakujaden (Legenda Ular Putih) sebagai film pertama mereka. Mereka mengirim tim peneliti ke Amerika Serikat dan mengundang beberapa ahli untuk melakukan perjalanan ke Jepang sebagai mentor. Hasilnya, mereka mampu menguasai sistem “produksi jalur perakitan” Disney. Mereka mempekerjakan tim karyawan baru yang mengasah keterampilan mereka saat mereka memproduksi film di bawah pengawasan animator veteran seperti Mori Yasuji dan Daikuhara Akira.

Dengan pekerjaan yang sulit didapat di Jepang pascaperang, perusahaan baru ini mampu menarik tim berbakat muda yang luar biasa yang senang bekerja dengan gaji awal yang relatif rendah. Itu adalah tipikal perusahaan padat karya. Namun, ketika upaya pemerintah untuk menggandakan pendapatan masyarakat mulai berlaku, upah melonjak dan perusahaan segera menemukan dirinya berada di zona merah. Kehadiran di World Masterpiece Fairy Tale Anime Series, sebuah “festival manga” yang diadakan setiap tahun selama liburan sekolah musim semi (dan, di tahun-tahun berikutnya, selama liburan musim panas juga), menurun.

Masa depan keuangan perusahaan tidak pasti. Gerakan buruh juga mendapatkan momentum, sering membawa perselisihan perburuhan dan bentrokan buruh-manajemen. Takahata Isao dan Miyazaki Hayao, sekarang denganStudio Ghibli, memulai karir mereka di Tōei Dōga (Takahata masuk perusahaan pada tahun 1959, Miyazaki pada tahun 1963). Keduanya merupakan anggota aktif serikat pekerja, Takahata sebagai wakil ketua dan Miyazaki sebagai sekretaris jenderal.

Tetsuwan Atomu: Anime Televisi Jepang Pertama

Pada tanggal 1 Januari 1963, Fuji Television menyiarkan serial televisi animasi berdurasi 30 menit berjudul Tetsuwan Atomu (lebih dikenal dalam bahasa Inggris sebagai Astro Boy). Acara ini menjadi hit yang mengejutkan, memulai ledakan anime dan periode persaingan yang ketat untuk pemirsa TV. Keberhasilan tersebut menandai awal dari jenis baru industri anime.

Biaya waralaba rendah yang dibayarkan ke studio untuk Tetsuwan Atomu (dibuat oleh Tezuka Osamu, presiden Mushi Production) berarti bahwa perusahaan perlu menemukan cara untuk memangkas biaya produksi secara drastis. Mereka dengan kejam memotong jumlah gambar, memangkas jumlah garis di setiap gambar seminimal mungkin, dan menggunakan lebih banyak gambar diam. Mereka bekerja untuk membuat alur cerita lebih cepat dan menemukan cara cerdas untuk mensimulasikan gerakan, dari efek suara hingga dialog.

Perusahaan mengimbangi kerugiannya dengan pendapatan hak cipta—melisensikan hak karakter Atom kepada sponsor perusahaan mereka, pembuat penganan Meiji Seika, yang menggunakan karakter tersebut pada merek cokelat populer. Ketika perusahaan masih membukukan kerugian, Tezuka memutuskan untuk menginvestasikan pendapatannya sendiri dari penerbitan manga. Itu adalah sikap murah hati yang khas dari pria yang mereka sebut “dewa manga.”

Tahun-Tahun Alam Liar dan Penampilan Blockbuster

Merchandising menjadi bagian dari model bisnis dasar untuk semua anime televisi yang mengikutinya. Genre paling populer berurusan dengan fiksi ilmiah dan ruang angkasa, diikuti oleh pertunjukan tentang gadis-gadis dengan kekuatan magis. Pada tahun 1968, Kyojin no hoshi (Bintang Raksasa) bertema bisbol yang populer dimulai, diikuti pada tahun 1969 oleh episode pertama dari drama keluarga Sazae-san, yang berlanjut hingga hari ini sebagai seri terpanjang dalam sejarah anime. Tapi tidak setiap seri bisa menjadi pemenang, dan dengan kekenyangan di pasar persaingan semakin intensif.

Di Tōei Dōga, yang terus mengalami defisit karena biaya produksi yang tinggi, hubungan buruh-manajemen memburuk, yang menyebabkan penutupan dan pemutusan hubungan kerja pada musim panas 1972. Produksi Mushi bangkrut pada tahun 1973 (meskipun serikat buruh kemudian mengambil alih dari Tezuka , pendiri, dan telah memimpin perusahaan hingga saat ini). Industri anime mengalami resesi. Di balik resesi ini ada masalah ekonomi yang lebih besar, seperti Nixon Shock pada tahun 1971 dan krisis minyak tahun 1973.

Ketika serial televisi animasi berakhir, staf dibubarkan. Sistem kerja berdasarkan senioritas Tōei berantakan, dan mereka beralih ke sistem pembayaran berbasis kinerja. Mereka dituntut untuk berubah ke gaya korporat yang lebih sesuai dengan kebijakan program stasiun televisi yang cerdik.

Di tengah suasana resesi tahun-tahun suram ini, sebuah karya baru muncul yang menantang gagasan anime hanya sebagai hiburan anak-anak. Uchū senkan Yamato (Space Battleship Yamato), dirilis sebagai serial TV pada tahun 1974 dan film fitur pada tahun 1977, menjadi fenomena sosial, sangat populer dengan jutaan orang dewasa muda.

Proliferasi Fans “Japanimation”

Sementara itu, anime televisi Jepang mulai populer di kalangan anak muda di luar negeri. Di beberapa negara, orang dewasa menolaknya, menyebutnya “Jepangisasi” dan mengkritiknya sebagai murahan, kekerasan, dan eksplisit secara seksual. Ketika Kyandi kyandi (Permen Permen) disiarkan di Prancis, gadis-gadis muda terpaku pada layar televisi. Beberapa orang tua membenci ini, mengklaim bahwa anak-anak mereka dirusak oleh budaya asing dari Timur. Namun demikian, basis penggemar anime terus berkembang di seluruh dunia, terutama di kalangan anak muda. Beberapa fans bahkan bertanya-tanya, “Mengapa negara kita tidak bisa membuat karya yang melampaui Japanimation?” Hari ini, “Japanimation” berarti sesuatu yang sangat berbeda dari konotasi negatif dulu.

Meskipun jumlah anime televisi berangsur-angsur pulih setelah runtuhnya ekonomi gelembung pada tahun 1992 dan kemerosotan ekonomi tahun 1990-an, industri ini secara keseluruhan tidak pernah memulihkan kemegahan tahun-tahun keemasannya. Kemerosotan pendapatan iklan, penurunan angka kelahiran, dan popularitas bentuk hiburan alternatif seperti video game dan ponsel telah menyebabkan peringkat prime time lamban dan penurunan jumlah anime sejak puncaknya pada tahun 2006.

Evolusi Industri Anime Jepang Yang Perlu Diketahui

Meskipun ada lebih sedikit anime di stasiun komersial utama hari ini, saluran lain tetap ramah anime: kepala TV Tokyo di antara mereka, diikuti oleh stasiun lokal dan regional, saluran satelit, dan sistem komunikasi lainnya. Sayangnya, saluran yang lebih kecil ini cenderung memiliki anggaran yang lebih kecil daripada stasiun utama, dengan konsekuensi yang dapat diprediksi untuk biaya produksi.

Industri anime Jepang berada pada titik balik. Kenyataannya adalah bahwa banyak perusahaan produksi anime sedang berjuang, dan telah menjadi sedikit lebih dari subkontraktor untuk stasiun televisi. Kebutuhan untuk meningkatkan status perusahaan-perusahaan ini adalah yang terpenting di antara banyak masalah yang perlu ditangani jika industri ingin terus mengembangkan bakat baru untuk masa depan.…

Continue Reading

Share

Dampak Manga dan Anime Terhadap Dunia Secara Global

Dampak Manga dan Anime Terhadap Dunia Secara Global – Dari semua bentuk seni unik yang telah diberikan Jepang pada budaya pop global, mungkin yang paling langsung dikenali adalah manga, dan rekan “gambar bergerak”-nya, anime.

Karakter seperti Astro Boy, Speed Racer, dan Sailor Moon telah ada di mana-mana seperti Mickey Mouse, menghiasi ransel, mainan, dan kotak makan siang di seluruh dunia.

Dampak Manga dan Anime Terhadap Dunia Secara Global

Visi cyberpunk perintis dari “Akira” dan “Ghost in the Shell” membentuk fiksi ilmiah global, dan Academy Awards sebelumnya untuk sutradara anime Hayao Miyazaki menunjukkan bahwa “kartun” dapat dianggap sebagai “seni tinggi”.

JAPAN HOUSE Los Angeles menyelenggarakan “This is Manga”, pameran pertama di Amerika Utara dari seniman manga berpengaruh Naoki Urasawa, yang menarik khalayak luas dan penggemar dari mahasiswa hingga sutradara besar Hollywood.

Jadi bagaimana manga berkembang menjadi fenomena internasional?

Untuk memperjelas istilah, “manga” adalah istilah umum untuk komik, kartun, dan animasi.

Ini terdiri dari dua kanji: (漫) “man” untuk “aneh atau dadakan” dan (画) “ga” untuk “gambar”.

Tapi hari ini dan terutama di luar Jepang, “manga” digunakan khusus untuk buku komik cetak, sedangkan “anime” mengacu pada gambar bergerak animasi – baik itu film, TV, atau video web.

Seringkali, manga populer diadaptasi menjadi anime atau diluncurkan secara paralel sebagai waralaba yang komprehensif, sehingga istilah tersebut terkadang digunakan secara bergantian.

Banyak sarjana melacak akar manga kembali melalui sejarah seni Jepang, seperti lukisan gulir abad ke-12 (“emaki”), yang menceritakan kisah-kisah dalam tablo berurutan dari kanan ke kiri, dan cetakan balok kayu “ukiyo-e” abad ke-18, yang massal -diproduksi untuk publik dan gabungan ilustrasi dan teks untuk efek dinamis.

Buku “Shiji no Yukikai (Empat Musim)”, diterbitkan pada tahun 1798, adalah yang pertama menggunakan istilah manga, dan pada akhir 1800-an, ada beberapa majalah komik yang beredar.

Titik balik utama datang dengan pendudukan Angkatan Darat AS di Jepang mulai tahun 1945, yang memperkenalkan komik dan kartun Amerika.

Generasi muda Jepang pascaperang menyerap dan mengadaptasi pengaruh ini, di antaranya Osamu Tezuka, yang sekarang dikenal sebagai “bapak baptis” manga, yang menampilkan karakternya “Astro Boy” pada tahun 1951.

Sering dibandingkan dengan Walt Disney, Tezuka membantu membentuk industri melalui output produktif dan inovasi gaya yang segera menjadi standar, seperti karakter bermata lebar dan teknik visual sinematik.

Sejak awal, ia langsung mengadaptasi film animasi Disney “Bambi” (1951) dan “Pinocchio” (1952) ke dalam bentuk manga.

Kemudian, dalam manga dan anime, ia menciptakan segala sesuatu mulai dari makanan anak-anak yang ringan hingga perawatan tema yang lebih dewasa dan ambisius, seperti 14 volume kehidupannya tentang Buddha (“Buddha”, diserialkan dari 1972-1983).

Jangkauan Tezuka mengungkapkan beragam audiens yang dikembangkan oleh industri penerbitan manga untuk dilayani.

Sebagian besar karya manga pertama kali diterbitkan dalam bentuk serial di majalah antologi yang ditujukan untuk demografi tertentu.

“Kodomomuke” mengacu pada manga untuk anak kecil, tetapi seiring bertambahnya usia, penonton terpecah, dengan manga “shonen” menargetkan anak laki-laki di bawah usia 15 tahun sementara “shojo” menargetkan rekan perempuan mereka.

Dalam kelompok yang lebih tua, “seinen” ditujukan untuk pembaca pria dewasa dan “josei” untuk wanita dewasa.

Masing-masing kategori ini berisi spektrum alur cerita dan genre, mulai dari aksi-petualangan, romansa, hingga misteri dan komedi.

Dan perlu dicatat bahwa meskipun masih merupakan bidang yang didominasi laki-laki, beberapa manga paling populer sepanjang masa diciptakan oleh “manga-ka” perempuan (seniman manga), seperti Naoko Takeuchi (Sailor Moon), dan Hiromu Arakawa (Full Metal Alchemist).

Selama beberapa dekade, industri manga telah dikomersialkan sekaligus, berkaitan dengan keuntungan yang dapat diandalkan, dan eksperimental, mendukung visi yang sangat orisinal.

Sejak akhir 1950-an, istilah “gekiga” telah digunakan untuk menggambarkan kisah yang lebih gelap, lebih kompleks, atau sastra – mirip dengan perbedaan Barat “novel grafis” yang lebih khusus daripada “komik”.

Yoshihiro Tatsumi adalah seorang termasyhur awal dari sub-genre ini, menulis kisah-kisah impresionistis tentang perut bawah Tokyo dan keterasingan sehari-hari, dan membuka jalan bagi visi auteur lainnya.

Naoki Urasawa, lahir di Tokyo pada tahun 1960, adalah salah satu seniman manga paling produktif dan diakui secara kritis yang bekerja saat ini.

Dia disebut sebagai “Tezuka berikutnya” karena pengaruhnya terhadap industri dan penceritaan yang inovatif selama hampir 40 tahun.

Dengan satu kaki dalam naturalisme gelap “gekiga”, tetapi satu lagi dalam fiksi ilmiah dan fantasi, karya-karyanya yang luas seperti “Monster” dan “20th Century Boys” telah menjadi buku terlaris di dalam dan luar negeri.

Serialnya “Pluto”, sebuah misteri pembunuhan moody yang terinspirasi oleh “Astro Boy” Tezuka (salah satu pengaruh awal Urasawa sebagai seorang seniman), tidak hanya diadaptasi untuk anime, tetapi juga sebagai produksi panggung teater yang telah melakukan tur internasional.

Pameran di JAPAN HOUSE Los Angeles menampilkan lebih dari 400 gambar dan storyboard asli Urasawa – pemandangan langka ke dalam proses kreatif sang seniman.

Fanbase global manga telah berkembang sejak tahun 1990-an, sering kali diperkenalkan pertama kali oleh versi anime subtitle impor dari seri tercinta seperti Dragon Ball Z, Death Note, Sailor Moon, dan tentu saja, Pokemon.

Anime berdurasi panjang seperti film Studio Ghibli juga membuka jalan menuju popularitas arus utama, dan perusahaan baru seperti Tokyo Pop (didirikan pada 1997) dan CrunchyRoll (2006) bermunculan untuk menerjemahkan dan mendistribusikan karya untuk penonton non-Jepang.

Saat ini, penyebaran aspek budaya manga secara internasional seperti mainan, video game, cosplay, dan gemanya di seluruh seni, musik, dan mode, menunjukkan bahwa manga mungkin baru saja dimulai.

Dampak Manga dan Anime Terhadap Dunia Secara Global

Ketika diminta untuk mendefinisikan media yang dia bantu buat, Osamu Tezuka berkata: “Manga itu virtual.

Manga adalah sentimen. Manga adalah perlawanan. Manganya aneh.

Manga adalah pathos. Manga adalah kehancuran. Manga adalah kesombongan. Manga adalah cinta.

Manga itu kitsch. Manga adalah rasa heran. Manga adalah … belum ada kesimpulan.”

Untuk mulai belajar tentang dunia manga dan anime yang luas dan penuh warna, mampirlah ke JAPAN HOUSE Library untuk melihat volume terpilih dari seniman perintis seperti Naoki Urasawa dan Osamu Tezuka.…

Continue Reading

Share